音楽の感じ方を一瞬で変える方法 (拡散厳禁) (2020年8月5日)

前回の投稿から約9か月もの間隔が開いて大変ご無沙汰になってしまいました。このCovid-19のパンデミックの混乱の最中とあって、適切なタイミングで適切なトピックを定めるのがなかなか難しいと感じるこの頃ですが、購読者のみなさんやその他のみなさん共に、互いに教育にいっそう力を入れて知識や理解を深めながら有意義で楽しい日々を過ごしていることと思いますし、そうであってほしいと思います。

ベートーヴェンの有名な言葉があります。

耐えたまえ。美を追求するだけではダメだ、その奥にある真意を探らなければ。なぜなら、神の領域に達するには音楽と科学の両方がなければならないからだ。❞

自らの人生と哲学を凝縮したような、如何にもベートーヴェンらしい格言ですが、当たり前のことのように思えながら論理的な深い思考をする意識が今の時世ではやや軽薄になっています。論理的な思考とは、「なぜAをやったらCという結果ではなくBという結果になったのか?」「もしAではなくDをやっていたら結果はどう違ったのか?」などという具体的な問いかけを行うことで初めてできること。「音楽は誰のために何のためにあるのか?」という哲学的な問いから始まって、音楽を読み解く力、そしてその表現をより確実で偉大なものにするための実際的方法を探求する段階へと進んでいくわけです。

日々練習する楽曲の譜面には、作曲者によるいろんな表記やメッセージが残されています。経験や感覚を通して求められている音色や表現が出せる時もあれば、頭の中が違う感情で支配されてうまく音に表現できなかったり、曲想に合った心境にならない時もあるかもしれません。心と体がうまく一体にならないという人はたくさんいます。そんな時はどうすればいいのか?という疑問・悩みに答えていきます。

 

人間の感情が永遠と同じ状態で居座り続けることは絶対にありません。感情とは常に変わり続けるものです。人間は日々起こるあらゆる事に無意識のうちに反応して、その度にいろいろな気持ちになっています。もし同じ感情、たとえば悲しみが死ぬまで続くのであれば、それはとても不健康なことでしょう。同時に、毎日刻々と物事が変化するめまぐるしい世の中では、気持ちの切り替えが必要な事は日常茶飯事だとはいえ、それはもちろん簡単にできることでもありません。

音楽家には必ず2つのタイプの側面があって、一つは「音楽を論理的に分析する能力や楽器を弾きこなす能力という、コントロールに関わる理性的部分」と「感情を表現する能力、直感、霊感、感受性などに関わる部分」があります。右脳と左脳があるというのと基本的には同じことです。

おそらくここで問題なのは、「感情を理解すること・共感すること」はどちらの部類に入るのか?ということ。パッと見た感じでは感情をつかさどる方ではないかと思うかもしれませんが、例えば経験したことのない感情や他人の理解しがたい感情が自分の一部になるためには、意識的に何らかの働きかけが必要になります。

私は脳科学者ではなく、研究データなどを並べ立てて退屈させるつもりはありません。率直に、本当の問いは「どうやったら心・頭の中を変えることができるか?」ということで、ここで重大な真実が出てきます。

感情を動かすのは「動作」

私が個人指導などで1分しか時間がないとなった時に出せるアドバイスがあるとすれば、おそらくこれでしょう。脳や精神の働きが身体に直接的な影響を与えることを知っている人たちは多くいますが、身体の働きが脳や精神に与える影響については語られることが少ないように思います。

最近、あるポリフォニック(多声音楽的)なパッセージに取りかかっていて、スラーで繋がった旋律の声部をできる限りの滑らかさと旋律らしさをもって弾こうとしていたものの、どういうわけかそれがうまく出来ないでいました。

自分の頭の中ではそれがどのような曲想でどんな音色で演奏すべきかもわかっていたのに、それを表現できるだけの気持ちが今一つ湧いてこなかったのです。

 

 

 

 

 

何かを変えなければならないのですが、頭の中を変えられないなら、「何を変えればもっとレガートで旋律らしく聞こえるように弾けるのだろうか?」と自問していました。長い時間試行錯誤しながら思いついたのが、フレーズの頂点にある音(最高音)にテヌートを勝手につけて(譜面には書かれていない)長めに弾いてみることでした。

なぜテヌートをつけて弾いてみたのか?それは、アーティキュレーションを変えることで体の動き・体の使い方が大きく変わるからです。そして試しに弾いてみると、それまでぎこちなかった旋律が途端に歌のように旋律らしく流れるようになったのです。手の動きがもっとゆっくり・緩やかになり、ふさわしい動きをともなって、フレーズが音楽の流れを遮断することなくまとまり、それと同時に、自分もそのフレーズを歌のように旋律らしく弾こうという気持ちが自然と生まれていました。

つまり、「身体の動きを変えることで、精神をあるべき状態に誘導することができる」 ということです。

これがなぜ機能するかというと、脳は身体からの刺激を受けて何かを感じたのか、何かを感じてから身体に刺激を与えたのかの区別をつけられないからです。

この手法はあまりにも発揮する効果が大きく強力で、今まで知らなかった人にとってはちょっと信じがたいものかもしれません。全体的にみても、他に比べてこういうことだけがあまり触れられず実践されることもない傾向は驚きです。

これは秘密でも何でもなく、知っている人は知っている知恵のようなものなのです。アメリカの著者で演説家のトニー・ロビンズが、ビジネスで成功するために必要な個人能力の鍛え方について説く時によく話す主なテーマで(最初に発見したのが彼なのかどうかは不明です)、音楽も身体からの影響を受ける要素が大きく、私はこの考え方を一歩掘り下げて音楽表現の向上のために利用したわけです。

個人的に、音楽においての身体と精神の相関関係についてはもう何年も研究を進めていて、大学院にいた頃に身体の動きやボディーランゲージ(身体言語)が音楽表現に与える影響について論文を書いたこともありますが、研究そのものは今日も終わっていません。

身体的要素はなぜ重要?

主に幼少時や10代の頃、このような方法論や理論を学ぶ人は少ないと思います。おそらく、ほとんどの先生が子供には難しすぎて理解できないだろうと判断して、子供に弾き方を真似させるやり方を中心に育成しているからでしょう。

身体の動作を変えることによって精神を変えるというシンプルで実際的なこの手法は、すでに挙げた例以外の場合でも同様に用いることができます。時によっては、身体の姿勢をちょっと変えるだけで頭の中のモードも一瞬にして変わるものです。例えば大きな音を出したいと思えば、背筋を伸ばして顔を上げてまっすぐ立つことでぐっと変わります(立ち足も大切)。多くの人によくあるのが、大きな音を出すためには力をたくさん入れなければいけない!と考えて直感的に身体が委縮してしまうこと。しかし実際には音量は身体から力をどれだけ抜けるかに比例しているといってもよいでしょう。

これまで世界の国々で何千人という器楽演奏者を見てきて、そして何百万回というレッスンと何千回というマスタークラスやワークショップを経て私が実感しているのは、音楽演奏においての問題のおよそ9割は身体の向きや動きに原因があるという点です。だからといって頭で考えることや心で感じることがどうでもいいか?というと、もちろんそういう訳ではありません。人間の脳は物事を都合よく解釈する性質が備わっていますが、無意識に働く部分というのはいくらでもごまかせてしまうのです。つまるところ、あらゆることの元となるものは思考態度とかではなく、身体的・物理的なものだということです。

ということで、身体的要素を変えることで音楽への心のあり方を変える方法について話しました。初めてこれを経験し気づいた時には私自身も世界が開けたかのように感じました。演奏の際に何となくうまくいかないな、と思った時にはこれをもう一度見て思い出してみるとよいのではと思います。

<了>

 

 

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